« It’s only rock’n but i like it » ou comment l’industrie musicale s’adapter à la fin des groupes mythiques

Mick Jagger aura 79 ans quand il terminera, en chantant « Satisfaction », au mois de juillet 2022, la tournée européenne des soixante ans des Rolling Stones. De nombreux groupes nés au début des années 1960 et au début des années 1970 arrivent au terme de leur existence. Ces derniers ont été à l’origine de l’essor de l’industrie musicale des années 1960 jusqu’à maintenant. Cette industrie a généré des revenus sans précédent dans le monde des loisirs. Les artistes, les tourneurs et les maisons de production ont bénéficié de flux de recettes élevés durant une cinquantaine d’années. La valorisation d’Universal Music atteint ainsi 40 milliards d’euros, soit cinq fois plus que la valeur du groupe Renault. La capitalisation de Live Nation qui organise des spectacles dans un grand nombre de pays s’élève à 8 milliards d’euros. Les grands concerts rassemblant des dizaines de milliers de spectateurs ont permis de surmonter la crise du disque. Les recettes d’une tournée des Stones peuvent atteindre plusieurs centaines de millions de dollars. En 2021, malgré la crise sanitaire, avec une dizaine de concerts, ils ont réussi à générer un chiffre d’affaires de 115 millions de dollars, les plaçant en tête des groupes les plus rentables sur scène. Même si Mick Jagger défie le temps, la probabilité pour l’organisation de nouvelles tournées diminue d’année en année. Les majors de l’industrie multiplient les innovations et investissent de nouveaux créneaux pour conforter leurs marges.

Le pari technologique de l’industrie musicale

Depuis un demi-siècle, la musique rock ou pop a surfé sur les grandes innovations du secteur de la communication et de l’information. Dès le départ, le rock et le cinéma, puis la télévision ont été intimement liés. Les Beatles et les Stones se sont mis en scène dans des films. Ils ont fait appel à de grands réalisateurs. De nombreuses chansons des Stones ont été utilisées dans des bandes son de films dont ceux de Martin Scorsese. Les films ont même servi à la promotion d’album ou de vedettes. Le succès des CD dans les années 1980 s’est accompagné de celui des vidéoclips dont a profité notamment la chaîne MTV. Le clip « Thriller » de Mickael Jackson de 1983 réalisé par John Landis ayant été l’un des plus connus. Le succès de YouTube a initialement reposé sur la possibilité de visionner les clips de ses artistes favoris, sans limite et sans frais, et a contribué à la popularisation d’Internet. À compter des années 1990, le monde de l’édition musicale a été victime des téléchargements illégaux. Aujourd’hui, les artistes musicaux s’adaptent en investissant les plateformes comme TikTok et les jeux vidéo. Le virtuel gagne de plus en plus de terrain. Avec les confinements, les artistes ont vendu des billets pour des évènements en ligne. Cette pratique se poursuit malgré le repli de l’épidémie. Les plateformes de jeux en ligne expérimentent des expériences hybrides musique-jeu. En mars de cette année, le groupe sud-coréen BTS, a diffusé un concert payant devant 2,4 millions de téléspectateurs en ligne et dans les cinémas. D’ici 2028, selon le cabinet d’études « Midia », les concerts diffusés en direct généreront entre 4 et 5 milliards de dollars par an, soit plus que durant la pandémie. L’année dernière, Live Nation qui est la plus grande société de divertissement, a acquis Veeps, une startup de diffusion en direct. Spotify et Deezer, des services de musique par abonnement, ont tous deux conclu des accords avec Driift qui intervient dans ce même secteur des concerts en ligne. Si dans le passé, des retransmissions dans des cinémas ou à la télévision de concerts avaient été organisées pour des grands groupes comme les Stones, elles sont désormais possibles par Internet et pour des groupes de moindre audience. Lors de la tournée du groupe britannique « Little Mix », la plateforme Driift a diffusé le spectacle final. Cette diffusion a été vendue à près de 60 000 personnes dans 143 pays et 29 000 autres ont payé pour regarder le flux dans les cinémas. les ventes totales de billets en streaming ont rapporté 1,5 million d’euros. La production et la transmission de vidéos coûte de moins en moins cher, autour de 300 000 euros.

Les groupes investissent également de plus en plus l’univers du jeu vidéo. Le site de jeux en ligne Fortnite organise ainsi des concerts. La musique sert de support aux jeux et les musiciens deviennent des acteurs de ces jeux. Roblox, une autre plateforme de jeux, a organisé un concert sur le thème du Far West dans lequel l’artiste Lil Nas X est apparu comme un cow-boy aux nombreux pouvoirs. Minecraft, un jeu en ligne de construction mondiale, a organisé des festivals de musique.

« Rock never die » ou quand le virtuel travaille pour l’immortalité des groupes

Le virtuel permet de faire revivre des stars décédés. Whitney Houston, disparue en 2012, s’est produite ou plutôt reproduite durant six soirs dans un hôtel de Las Vegas, de manière holographique. Buddy Holly, Roy Orbison, Maria Callas et Tupac Shakur ont été à l’affiche de concerts posthumes similaires.

Pour faire perdurer la magie des grands concerts et exploiter au mieux le filon de la nostalgie dans les vieux groupes, la haute technologie est appelée à l’aide. Le groupe Abba a été ainsi reconstitué par hologramme, le 26 mai à Londres. Les images des membres du groupe en trois dimensions ont été générées par ordinateur, capturées tels qu’ils étaient en 1979, et leurs voix sont un mélange d’enregistrements qui datent de près de cinquante ans. Le coût du spectacle a été évalué à 175 millions de dollars dont un tiers a été affecté à la réalisation de la salle de concert de haute technologie de Londres. Plus de 300 000 billets ont été vendus. Ce concert virtuel pourra à terme être reproduit dans de nombreuses villes.

Des copies aussi bonnes que les orignaux

Le rock se classicise. Les auteurs originaux laissent la place à des interprètes. Les groupes de reprises, appelés « coverband » ou « tribute » se multiplient avec ou sans l’assentiment des groupes originels. Autrefois raillés par la critique, ils font l’objet d’un intérêt et du soutien croissant des majors. The Australian Pink Floyd Show qui joue sans surprise du Pink Floyd remplit des grandes salles. AC DC, Led Zeppelin ou les Stones ont leurs groupes « tribute ». Les vieux tubes de la rock ou de la pop deviennent des classiques et sont repris par de multiples formations.

La gestion patrimoniale des portefeuilles musicaux

Avec la cessation d’activité, des stars des décennies passées, l’industrie musicale, à défaut de pouvoir en générer de nouvelles capables de transcender les générations et les classes sociales, exploitent autant que possible les actifs des anciennes. Les majors rachètent ainsi les droits des anciens groupes ou stars pour pouvoir récupérer les droits. Bruce Springsteen a ainsi vendu l’intégralité de son catalogue de chansons à Sony pour un montant estimé à 500 millions de dollars. Les catalogues de David Bowie, Bob Dylan, Paul Simon ou encore Neil Young ont été également cédés parfois pour plusieurs centaines de millions de dollars. Certains artistes comme David Bowie avait, de son vivant, titrisé ses chansons afin de récupérer immédiatement du capital. Le rachat des catalogues par les majors obéit au même objectif. La décision de porter la durée des droits des auteurs de 50 à 70 ans renchérit la valeur de ces catalogues que les auteurs essaient de monnayer au plus vite.

L’industrie musicale est amenée à gérer la fin de la vague née avec les babyboomers. En une cinquantaine d’années, la musique rock-pop qui puise ses origines dans le blues noir américain s’est imposée dans la quasi-totalité des pays. Si au début des années 1960, cette musique était clivante, en étant le porte-drapeau d’une jeunesse éprise de liberté face au monde adulte jugé conservateur, elle a été adoptée par les générations suivantes. Les concerts des Stones attirent une foule âgée de 7 à 77 ans voire 80 ans…. Avec l’affirmation du rap, de la techno, de la soul, le monde de la musique se fragmente à nouveau. Par ailleurs, la musique, à l’exception du rap, a perdu son rôle de marqueur social et culturel. Les jeunes se définissent moins que dans le passé par rapport aux groupes et aux stars qu’ils écoutent. La musique, omniprésente grâce au streaming ou smartphone, fait partie du quotidien. Elle ne bénéficie plus du même relais que dans les années 1960/1980 par les médias classiques (radio, télévision, presse écrite). Aujourd’hui, chacun compose sa setlist à sa convenance en passant par Deezer, Spotify ou YouTube. Comme au cinéma, l’arrivée de nouvelles stars sur le devant de la scène est plus difficile, Internet permettant un zapping permanent. Pour être en haut de l’affiche, dans un système où l’offre est abondante, la surenchère est de mise. Les rappeurs n’hésitent pas à multiplier les provocations pour se faire reconnaître. Ce phénomène n’est pas totalement nouveau, les Stones ne se sont-ils pas construits, en 1962, il y a soixante ans, une image de « mauvais garçons » pour se différencier des Beatles ?

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